Angelica Beltrán Rivera
Claudia Janneth Murillo NúñezMartha Cecilia Flores Martinez
martes, 22 de junio de 2010
Contemporáneo
El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo. El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede ser entendido de diferentes maneras:
Extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII)
Limitado:
El arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas).
El arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la mayor parte de los museos de arte suelen denominar arte contemporáneo a las colecciones de ese período) y actualmente se entiende que es el surgido de la caída del muro de Berlín -1989-,
El arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando como hito, por ejemplo, el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York -2001-.
Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no con un criterio cronológico (periodización), sino estético, definido por su ruptura con el academicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas teorías del arte (arte deshumanizado, arte puro, muerte del arte, crisis del objeto artístico, arte independiente, etc. Véase también estudio de la historia del arte).
Lo mismo ocurre con los conceptos de moderno y contemporáneo aplicados a cada una de las bellas artes (especialmente de las artes visuales: arquitectura moderna, arquitectura contemporánea, pintura moderna y pintura contemporánea, escultura moderna o escultura contemporánea); o con el menos usado concepto de arte postmoderno (desde los años 1970).
Para las demás bellas artes, esta adjetivación no se usa de forma similar: literatura moderna y literatura contemporánea, danza moderna y danza contemporánea denotan significados bien diferentes. De forma mucho más clara, el concepto de música moderna suele reservarse para la música popular moderna de la industria musical de consumo masivo; mientras que el de música contemporánea se hace para el de música culta o música clásica del siglo XX. El surgimiento del cine (séptimo arte) a finales del siglo XIX, previamente de la fotografía, y posteriormente del cómic, hace poco útil la calificación de modernas o contemporáneas a ninguna parte de sus producciones.
Es muy común que publicaciones e instituciones asimilen ambas denominaciones, englobándolas en el concepto conjunto de Arte moderno y contemporáneo.
jueves, 17 de junio de 2010
La Panaderia
Yoshua Okón presentará el libro La Panadería 1994-2002 co-editado por el mismo y Alex Dorfsman. La Panaderia es el primer libro que documenta el corto pero extraordinario tiempo de La Panaderia, un espacio de arte alternativo fundado en 1994 en la Ciudad de México. La Panadería además de ser un espacio de exposiciones, tambien ofrecía un programa de intercambio de residencias y eventos culturales con artistas locales e internacionales.
Como espacio alternativo dentro del contexto altamente institucionalizado de la Ciudad de México, La Panadería fue crucial en la promoción de artistas jóvenes y artistas que no se integraban a la escena del arte mejor conocida como “mainstream”. El programa de La Panadería acentuó a la integración de prácticas marginales eclécticas y se convirtió en un centro social importante para el ambiente contemporáneo del arte así como punto de referencia.
Con su programa internacional de residencias, el espacio amplió el alcance del mundo mexicano del arte y estableció lazos vitales con espacios similares en otras partes del mundo. En México, La Panadería se convirtió en un sitio importante fuera de las galerías y museos comerciales ofrecían dentro del paisaje urbano de los años noventa.
Como espacio alternativo dentro del contexto altamente institucionalizado de la Ciudad de México, La Panadería fue crucial en la promoción de artistas jóvenes y artistas que no se integraban a la escena del arte mejor conocida como “mainstream”. El programa de La Panadería acentuó a la integración de prácticas marginales eclécticas y se convirtió en un centro social importante para el ambiente contemporáneo del arte así como punto de referencia.
Con su programa internacional de residencias, el espacio amplió el alcance del mundo mexicano del arte y estableció lazos vitales con espacios similares en otras partes del mundo. En México, La Panadería se convirtió en un sitio importante fuera de las galerías y museos comerciales ofrecían dentro del paisaje urbano de los años noventa.
Gabriel Orozco
Es un artista mexicano nacido en Xalapa, Veracruz y educado en la Escuela Nacional de Artes Plásticas(ENAP) de 1981 a 1984. Continuó su educación en el Círculo de Bellas Artes de Madrid desde año1986 al 1987. Explorando el uso de video, dibujo, y la instalación así como fotografía y escultura, Orozco da libertad a la audiencia para explorar las asociaciones creativas entre objetos ignorados tradicionalmente en el mundo de hoy. Su trabajo extrañamente permite una interacción entre la pieza y la audiencia. Por ejemplo, los visitantes al Museo de arte contemporáneo en Los Ángeles, California pueden jugar con la pieza Ping Pond Table (1998) que es una mesa de tenis para cuatro personas. El centro de la pieza es una charco orquídea con cuatro piezas hemisféricas de mesas ping pong alrededor en forma de cruz.
Fue uno de los más valorados en el circuito internacional, autor de una obra amplia y polivalente que abarca desde la escultura hasta las instalaciones espontáneas, pasando por la fotografía, el vídeo, el dibujo y el arte-objeto. tografía, el vídeo, el dibujo y el arte-objeto.
miércoles, 16 de junio de 2010
Siglo XX
El siglo XX se inició en el año 1901 y terminó en el año 2000.
Se caracterizó por los avances de la tecnología; medicina y ciencia en general; fin de la esclavitud en los llamados países desarrollados; liberación de la mujer en la mayor parte de los países; pero también por crisis y despotismos humanos, que causaron efectos tales como las Guerras Mundiales; el genocidio y el etnocidio, las políticas de exclusión social y la generalización del desempleo y de la pobreza.
Se caracterizó por los avances de la tecnología; medicina y ciencia en general; fin de la esclavitud en los llamados países desarrollados; liberación de la mujer en la mayor parte de los países; pero también por crisis y despotismos humanos, que causaron efectos tales como las Guerras Mundiales; el genocidio y el etnocidio, las políticas de exclusión social y la generalización del desempleo y de la pobreza.
Se desarrollan Escuelas Nuevas de:
*El Cubismo, El surrealismo y El expresionismo.
*El cine en sí convierte en la ONU y Medio Masivo en Gran Industria UNA. Sus influjos alcanzan *la moda y la música.
*El jazz Alcanza Su Apogeo Entre 1920 y 1960.
*El rock and roll Como Estilo musical y sin Alcanza Gran aumento de Desarrollo DESDE mediados de Siglo.
*El racionalismo Arquitectónico aumento Como Escuela propia.
*El boom latinoamericano de la Literatura, de propios estilos Con cuentos de Como El realismo mágico.
*El cine en sí convierte en la ONU y Medio Masivo en Gran Industria UNA. Sus influjos alcanzan *la moda y la música.
*El jazz Alcanza Su Apogeo Entre 1920 y 1960.
*El rock and roll Como Estilo musical y sin Alcanza Gran aumento de Desarrollo DESDE mediados de Siglo.
*El racionalismo Arquitectónico aumento Como Escuela propia.
*El boom latinoamericano de la Literatura, de propios estilos Con cuentos de Como El realismo mágico.
Arte
Fernando Botero
Salvador Dalí
Frida Kahlo
Gustav Klimt
René Magritte
Pablo Picasso
Andy Warhol
Danza
Alicia Alonso
George Balanchine
Pina Bausch
Isadora Duncan
Martha Graham
Gret Palucca
Filosofía
Theodor Adorno
Simone de Beauvoir
Mario Bunge
Victoria Camps
Albert Camus
Rudolph Carnap
Noam Chomsky
Gilles Deleuze
Jacques Derrida
José Ferrater Mora
Michel Foucault
Martin Heidegger
Carl Hempel
Edmund Husserl
Philip Kitcher
Krishnamurti
Jacques Lacan
Emmanuel Lévinas
José Ortega y Gasset
Karl Popper
Hans Reichenbach
Bertrand Russell
Wesley Salmon
Jean Paul Sartre
Moritz Schlick
Ludwig Wittgenstein
María Zambrano
Cine
Woody Allen
Pedro Almodóvar
Ingmar Bergman
Luis Buñuel
Charles Chaplin
Francis Ford Coppola
Maya Deren
Carl Theodor Dreyer
Sergei Eisenstein
Rainer Werner Fassbinder
Federico Fellini
David Wark Griffith
Tomás Gutiérrez Alea
Alfred Hitchcock
Krzysztof Kieslowski
Stanley Kubrick
Akira Kurosawa
Fritz Lang
Ken Loach
Revista de Arte
La Tempestad
Es una revista mexicana de profundidad bimestral concentrada en el analisis y la reflexion sobre manifestaciones artisticas.
es dirigida po jose antonio chaurand y nicolas, cobran, sus paginas abordaron con la literatura,cine artes escenicas,musica,arquitectura,artes visuales y diseño.
que artistas reseñan guillermo gomez,nicolas cobral, humberto musacchio.
cuantos numeos llevan
1998,1999,2000,2001,2002,2003,2004,2005,2006,2008,20092010.
Revista Codigo 06140
Para quienes gustan de las revistas de diseño de arte, codigo 06140 es una excelente opcion. fuera mundo ortodoxo del arteesta revista publica que esta pasando en la escena de la arquitectura,música y moda codigo es una publicacion hecha en mexico, por lo que le da espacio a las propuestas,exposiciones artistas nacionsles.
Es una revista mexicana de profundidad bimestral concentrada en el analisis y la reflexion sobre manifestaciones artisticas.
es dirigida po jose antonio chaurand y nicolas, cobran, sus paginas abordaron con la literatura,cine artes escenicas,musica,arquitectura,artes visuales y diseño.
que artistas reseñan guillermo gomez,nicolas cobral, humberto musacchio.
cuantos numeos llevan
1998,1999,2000,2001,2002,2003,2004,2005,2006,2008,20092010.
Revista Codigo 06140
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Aldo Chaparro
Aldo Chaparro Winder (Perú, 1965)
Artist, editor and art director. Artista, editor y director de arte. His artistic work has centered on sculpture, design and photography. Su trabajo artístico se ha centrado en la escultura, el diseño y la fotografía. He is known for expanding the limits that separate fine art with other disciplines, making this boundary his main subject matter. Es conocido por expandir los límites que el arte por separado bien con otras disciplinas, por lo que este límite su tema principal. Hehas shown his work in Mexico, France, England, Holland, Germany, USA, Argentine, Spain, Brasil and Venezuela. Hehas presentado su obra en México, Francia, Inglaterra, Holanda, Alemania, EE.UU., Argentina, España, Brasil y Venezuela.
As editorial director of Celeste Editorial Group he has published more than 40 Como director editorial del Grupo Editorial Celeste ha publicado más de 40
contemporary art, fashion, design magazines and books over the past five years, including Celeste and Baby baby baby magazines, two of the most influential and acknowledged Latinamerican publications worlwide in contemporary culture. arte contemporáneo, moda, revistas de diseño y libros en los últimos cinco años, incluyendo revistas Celeste y cariño cariño, dos de las publicaciones latinoamericanas más influyentes y reconocido nivel mundial en la cultura contemporánea.
Miguel Calderòn
Miguel Calderón (nacido el 01 de junio 1971 en la Ciudad de México ) es una mexicana artista, actor, y escritor. He is best known for his work titled "Aggressively Mediocre/Mentally Challenged/Fantasy Island (circle one)" which was part of a 1998 exhibit and was bought by Wes Anderson and shown in the film The Royal Tenenbaums . Él es mejor conocido por su trabajo titulado "Mediocre agresivamente / mentales / Isla de la Fantasía (circule uno)", que formaba parte de una exposición de 1998 y fue adquirida por Wes Anderson y se muestra en la película The Royal Tenenbaums . He received his BFA at the San Francisco Art Institute in 1994. Él recibió su BFA en el San Francisco Art Institute en 1994. He has worked in paint, photography, video and installations. Ha trabajado en pintura, fotografía, video e instalaciones.
Gran parte de la labor de Calderón ha sido llamado "low-brow" y que "tiene la habilidad de empujar los estereotipos burdos y clichés y provocativa extremos absurdos." Un artículo de Escultura revista lo llamó "algo de un fenómeno internacional", y el San Francisco Museum of Modern Arte lo llamó "e enfant terrible del arte contemporáneo en México.".
He has had solo exhibitions at the Tamayo Contemporary Art Museum in Mexico City, the Andrea Rosen Gallery in New York City , the Museum of Natural History in Mexico City , the San Francisco Art Institute 's Diego Rivera Gallery, and the 2004 São Paulo Biennale. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo Tamayo en Ciudad de México, la Andrea Rosen Gallery en Nueva York , el Museo de Historia Natural de la Ciudad de México , el San Francisco Art Institute 's Diego Galería de Rivera, y el 2004 São Paulo Bienal.
He has had work at, among other places, the Guggenheim Museum 's "Air: Projections of Mexico" exhibit, the "Prometer no empobrece: arte contemporáneo mexicano" show at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid , the PS 1 Contemporary Art Center in New York City , the 2005 Sharjah Biennale, the 2005 Yokohama Triennale, the 2006 Busan Biennale, and had a film commissioned for the 2006 Frieze Art Fair in London. In 2007, Calderon exhibited with several other Latin American Artists at the San Francisco Museum of Modern Art . Ha realizado trabajos en, entre otros lugares, el Museo Guggenheim s '"Air: Proyecciones de México" exhiben, el "promotor no empobrece: Arte Contemporáneo Mexicano" espectáculo en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid , el PS 1 Contemporary Art Center en Nueva York , en 2005 Sharjah Biennale, de 2005 Yokohama Triennale, de 2006 Busan Biennale, y tenía una película de encargo para de 2006 Feria de Arte Frieze de Londres. En 2007, Calderón expuso con varios otros artistas de América Latina en el Museo de San Francisco de Arte Moderno .
Calderón's paintings in The Royal Tenenbaums are discussed on WNYC and Public Radio International 's Studio 360 radio show, and are also shown as part of the bonus features of the film's DVD . He was also interviewed in Contemporary magazine. Calderón pinturas en The Royal Tenenbaums se discuten en WNYC y la Radio Pública Internacional 's Studio 360 programa de radio, y también aparecen como parte de los extras de la película de DVD . También fue entrevistado en la Contemporánea revista.
Gran parte de la labor de Calderón ha sido llamado "low-brow" y que "tiene la habilidad de empujar los estereotipos burdos y clichés y provocativa extremos absurdos." Un artículo de Escultura revista lo llamó "algo de un fenómeno internacional", y el San Francisco Museum of Modern Arte lo llamó "e enfant terrible del arte contemporáneo en México.".
He has had solo exhibitions at the Tamayo Contemporary Art Museum in Mexico City, the Andrea Rosen Gallery in New York City , the Museum of Natural History in Mexico City , the San Francisco Art Institute 's Diego Rivera Gallery, and the 2004 São Paulo Biennale. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo Tamayo en Ciudad de México, la Andrea Rosen Gallery en Nueva York , el Museo de Historia Natural de la Ciudad de México , el San Francisco Art Institute 's Diego Galería de Rivera, y el 2004 São Paulo Bienal.
He has had work at, among other places, the Guggenheim Museum 's "Air: Projections of Mexico" exhibit, the "Prometer no empobrece: arte contemporáneo mexicano" show at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid , the PS 1 Contemporary Art Center in New York City , the 2005 Sharjah Biennale, the 2005 Yokohama Triennale, the 2006 Busan Biennale, and had a film commissioned for the 2006 Frieze Art Fair in London. In 2007, Calderon exhibited with several other Latin American Artists at the San Francisco Museum of Modern Art . Ha realizado trabajos en, entre otros lugares, el Museo Guggenheim s '"Air: Proyecciones de México" exhiben, el "promotor no empobrece: Arte Contemporáneo Mexicano" espectáculo en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid , el PS 1 Contemporary Art Center en Nueva York , en 2005 Sharjah Biennale, de 2005 Yokohama Triennale, de 2006 Busan Biennale, y tenía una película de encargo para de 2006 Feria de Arte Frieze de Londres. En 2007, Calderón expuso con varios otros artistas de América Latina en el Museo de San Francisco de Arte Moderno .
Calderón's paintings in The Royal Tenenbaums are discussed on WNYC and Public Radio International 's Studio 360 radio show, and are also shown as part of the bonus features of the film's DVD . He was also interviewed in Contemporary magazine. Calderón pinturas en The Royal Tenenbaums se discuten en WNYC y la Radio Pública Internacional 's Studio 360 programa de radio, y también aparecen como parte de los extras de la película de DVD . También fue entrevistado en la Contemporánea revista.
Alejandro Jodorowsky
Alejandro Jodorowsky
Nacimiento 7 de febrero de 1929 (81 años)
Tocopilla ( Chile)
Sitio web Sitio web
Ficha en IMDb
Nacimiento 7 de febrero de 1929 (81 años)
Tocopilla ( Chile)
Sitio web Sitio web
Ficha en IMDb
Alejandro (Alexandro) Jodorowsky Prullansky (Tocopilla, Chile, 7 de febrero de 1929), es un artista polifacético chileno de origen judío-ucraniano. Entre sus muchas facetas destacan las de escritor, filósofo, dramaturgo, actor, poeta, director teatral, director de cine, guionista de cine, compositor de bandas sonoras, escultor y escenógrafo en cine, guionista de cómics, dibujante y autor de "Fabulas Pánicas", instructor del tarot, mimo, psicoterapeuta y psicomago. Fundó, junto a Roland Topor y Fernando Arrabal, el Grupo Pánico.1 Su aportación más controvertida es la psicomagia, una técnica que conjuga los ritos chamánicos, el teatro y el psicoanálisis, pretendiendo supuestamente provocar en el paciente una catarsis de curación. También es conocido en el mundo del cine por dirigir los controvertidos largometrajes La Montaña Sagrada, El Topo o Santa Sangre, entre otras.
A la edad de veinticuatro años quemó sus fotografías y se fue de Chile, recalando en París en 1953.2 Vivió casi veinte años en México, entre 1960 y 1977 (con un paréntesis en 1973-1974, en el que residió en Nueva York) y desde 1980 reside en Francia, país del que ha adquirido la nacionalidad.
En la actualidad, Jodorowsky vive en Vincennes, cerca de París, donde da clases de tarot y conferencias sobre sus teorías (la psicomagia y la psicogenealogía) en el Cafe Le Téméraire de la avenida Daumesnil, cerca del Gare de Lyon.
Inicios
Jodorowsky comenzó sus actividades artísticas a muy temprana edad inspirado principalmente por la literatura y el cine. Comenzó publicando poesías en Chile a la edad de dieciséis años. En esa época trabajaba junto a poetas como Nicanor Parra y Enrique Lihn. Luego desarrollo interés por las marionetas y la pantomima. A los 17 años debutó como actor y un año después creo la tropa de pantomima "Teatro Mímico". En 1948 escribe una pieza para títeres, su primer texto dramático: La fantasma cosquillosa. Entre 1949 y 1953 realiza en Santiago de Chile algunos actos improvisados que son un claro precedente del happening (adelantándose a sus precursores de EEUU que no comienzan hasta 1952), actos de corte surrealista que luego calificará de efímeros (en México) y, a partir de 1962, efímeros Pánicos en Francia. En 1950 crea el Teatro de Títeres del Teatro Experimental de la Universidad de Chile (TEUCH). En 1952 Jodorowsky, Enrique Lihn y Nicanor Parra crean el collage Quebrantahuesos (1952), poesía mural con recortes de periódicos. En 1953 Jodorowsky abandona Chile para siempre, viaja a París para estudiar pantomima con Étienne Decroux, el profesor de Marcel Marceau. Al año siguiente se unió a la compañía de teatro de Marcel Marceau con quien realizó giras por todo el mundo. Jodorowsky vive en París como mimo, entre 1953 y 1959, debutando en el cine en 1957, con el cortometraje mimo La Cravate, alabado por Jean Cocteau, que llega a escribir un prólogo para este filme (la copia en celuloide de este corto se perdió durante medio siglo, hasta que por azar apareció en 2006 en un ático de Alemania).
Después de presentarse en México en 1958, Jodorowsky decide prolongar su estadía con el fin de conocer nuevos ambientes teatrales. Vivió en México desde 1960 hasta 1977, donde se realizó ya como un artista sumamente versátil, diriengiendo más de un centenar de obras de teatro de vanguardia. Durante las siguientes dos décadas, Jodorowsky creó más de cien obras teatrales. Entre 1960 y 1962 acude con Fernando Arrabal y Roland Topor al café La Promenade de Venus, en París, donde se celebran las sesiones del grupo Surrealista, en donde conoce a André Breton. Sin embargo, rompen con el grupo y los tres autores, Arrabal, Jodorowsky y Topor, fundan en 1962 el Movimiento Pánico . Este grupo estuvo altamente influenciado por Alfred Korzybski, Dadá, el Surrealismo y la filosofía de Ludwig Wittgenstein. Jodorowsky realizó también su incursión en los cómics, como escritor independiente con colaboración de Jean Giraud. A través de su carrera Jodorowsky ha creado más de veinte series de tebeos. A su llegada a México en 1960, Jodorowsky se interesó por temas psicológicos y místicos, lo que le llevó a iniciarse en la meditación zen con el maestro Ejo Takata y en la psicología al lado de Erich Fromm en Cuernavaca.
Carrera cinematográfica
Alejandro Jodorowsky en Sitges 2006.
Su cine llama especialmente la atención por ser impactante, transgresor, sobrecargado, extraño, con elementos esotéricos y con una atmósfera llena de simbolismos y surrealismo. Muchas veces tildadas de inentendibles, las películas de Jodorowsky tienen un lugar preferencial en el llamado "cine de culto".
En 1967 el padre de su secretario particular le ofrece dinero para realizar su siguiente obra teatral. Rueda con él su primera película, Fando y Lis, adaptación de la obra homónima de Fernando Arrabal. La obra, protagonizada por Sergio Kleiner, Diana Mariscal, Sergio Kleiner, su esposa Valerie y Juan José Arreola, se proyecta en el festival de Acapulco en México, de donde Jodorowsky sale huyendo tras un intento de linchamiento. Inclusive el Indio Fernández, indignado por las imágenes de la película, sacó su pistola para matarlo, pero no lo logró.[cita requerida] Atacada por la prensa, la película fue defendida ante los periodistas por Roman Polanski, quien había acudido invitado al festival en compañía de su esposa Sharon Tate.
En 1970 llega su segunda incursión cinematográfica: El Topo, western de culto instantáneo, en el que participan como actores su hijo Brontis, Alfonso Aráu y Mara Lorenzio. El Topo le da un reconocimiento internacional, gracias al cual John Lennon, a través de su representante Allen Klein, le ofrece distribuir y financiar parte de su siguiente proyecto: La montaña sagrada. La estrella principal sería George Harrison, pero ante la exigencia de Alejandro de mostrar un primer plano de su ano, y la negativa del músico a hacerlo, el director decide no darle el papel.
La montaña sagrada lo lleva a emprender su proyecto más ambicioso: la dirección de la película Dune. Jodorowsky trabaja en él durante más de 5 años, invitando a participar a Orson Welles y Salvador Dalí3 (quien cobraría 100.000 dólares por una hora y aceptó a regañadientes la oferta en su hotel de Barcelona) e involucrando también a Chris Foss, Pink Floyd y H. R. Giger, todo bajo la dirección artística del dibujante francés Moebius. Tras retrasar el proyecto infinidad de veces, la compañía productora se retira, dejando más de 3.000 dibujos realizados por Moebius, que tiempo después se convertirían en el alma del cómic El Incal. Se ha dicho que muchos de los diseños del proyecto acabaron reciclándose en Star Wars y, posteriormente, El quinto elemento. Igualmente, muchas de las personas implicadas en el proyecto acabaron trabajando después en Alien, donde pueden apreciarse elementos similares a los de la película fallida. Por supuesto, a principios de los ochenta, David Lynch hizo su propia versión de Dune.
Tras media década sin dirigir, filma Tusk, una producción francesa rodada en India. Contra su voluntad dirige El ladrón del arco iris (título original:The Rainbow Thief), protagonizada por Omar Sharif y Peter O'Toole, uno de sus mayores fracasos debido a las presiones de la compañía, que toma el control de la película. Rueda nuevamente en México su cuarto largometraje: Santa sangre (1989), producida por Claudio Argento y protagonizada por sus hijos Cristóbal y Adán.
En una entrevista concedida a Premier Magazine, Jodorowsky dijo que su próximo proyecto será una película de gángsters llamada King Shot. Marilyn Manson interpretará a un Papa de 300 años, y Nick Nolte ha expresado también interés en trabajar con el director. En la entrevista también dijo que quería hacer una segunda parte de El Topo, pero que no pudo obtener el financiamiento necesario.
Jodorowsky intenta asimismo producir una secuela de El Topo con el título de The Sons of El Topo, en la que participarían Marilyn Manson y Johnny Depp, pero en 2005 debe abandonar el proyecto al no encontrar inversionistas. De todos modos, en 2005 comienza a pre-producir un filme llamado Abelcaín, en el que aparece el personaje de El Topo. Al continuar la lucha por los derechos del personaje, el nombre del personaje ha debido ser cambiado por El Toro. En una entrevista Jodorowsky dijo: “Estoy trabajando en una producción francocanadiense llamada Abelcaín, la cual es una nueva versión del mismo proyecto. El personaje de El Topo se ha convertido en El Toro. Una sencilla raya añadida a la letra "P" ha convertido una rata subterránea en un feroz toro. "Para los verdaderos artistas, las dificultades se convierten en oportunidades, y las nubes en un sólido presente”.
En enero de 2010 retoma el proyecto y consigue producción a través de unos productores rusos para realizar Abel Cain o The Sons of El Topo (2011) serían el estadounidense Raymond J. Markovich (n.1966, neoyorquino afincado en Rusia desde 1993), Olga Mirimskaya y Arcadiy Golybovich (Parallell Media Films, compañía rusa especializada en cine fantástico en inglés, con oficinas en Los Angeles, San Petersburgo y Londres).
El cine de Jodorowsky en DVD
Fando y Lis y Santa sangre eran las únicas películas de Jodorowsky disponibles en DVD. El El Topo y La montaña sagrada hasta hace poco están disponibles para video o DVD, debido a disputas con el distribuidor y propietario Allen Klein .
Sin embargo, en el año 2004 Jodorowsky y Allen Klein zanjan la disputa, lo que conllevó a que ABKO Films anunciara la distribución de películas de Jodorowsky. El 19 de enero de 2007 el sitio web anunció que el 1 de mayo de 2007 Anchor Bay distribuirá un paquete que incluirá El Topo, La montaña sagrada y Fando y Lis (las tres películas que Jodorowsky considera "suyas"4 ). Una edición limitada incluirá las bandas sonoras de El Topo y La montaña sagrada. No obstante, copias de estas películas han estado circulando ilegalmente por Internet desde hace años.
En España la compañía independiente Cameo Media editó y distribuyó en julio de 2007 ese mismo pack de ABKCO, con las bandas sonoras de El topo y La montaña sagrada, además de distribuir su trilogía mexicana en DVD por separado. La compañía Vellavisión editó Santa sangre, pero dicho DVD está descatalogado.
Revalorización de su cine
El cine de Jodorowsky está en pleno siglo XXI viviendo una fase de revalorización, en especial en el mundo anglosajón, francófono e hispanoamericano. Con una filmografía escueta, como el caso de Terrence Malick, Andrei Tarkovsky o Jean Cocteau, con apenas siete filmes, el cine de Jodorowsky manifiesta un universo creativo propio, en donde lo metafísico y lo terapéutico se dan la mano, en el que lo trascendental se expresa mediante un complejo entramado de símbolos, como en el caso de Theo Angelopoulos, Carl Theodor Dreyer o Robert Bresson, pero con diferentes manifestaciones estéticas. Como ejemplos de esa nueva apreción de su cine entre las nuevas generaciones de espectadores: en 2009, la montadora chilena Andrea Chignoli, que participó en la restauración de sus cuatro primeras películas en DVD en Nueva York (2006) -promovidas por la empresa ABCKO, propietaria de los derechos-, publicó un librito en Chile sobre el cine de Jodorowsky, titulado Zoom Back Camera! El cine de Alejandro Jodorowsky. Poco después, en 2010 el joven escritor español Diego Moldes concluyó una tesis doctoral en la Universidad Complutense sobre el cine de Jodorowsky, titulada La imaginación simbólica en la obra cinematográfica de Alejandro Jodorowsky. De este trabajo, de 700 páginas, dijo Jodorowsky en una presentación con el autor: "Es lo más completo que se ha escrito sobre mi cine." (Madrid, 25-03-2010).
La influencia del cine de Jodorowsky se extiende a la música moderna, a músicos tan dispares como John Lennon, Peter Gabriel o Marilyn Manson, y al séptimo arte: el cine mexicano de los años 1960/1970 (en especial Juan López Moctezuma y Rafael Corkidi) y a cineastas tan diferentes como Dennis Hopper, David Lynch (Eraserhead) o Federico Fellini. Tras ver Fando y Lis en Roma, bajo el título Il paese incantato, Fellini incorporó a su película Fellini Satiricón (Fellini Satyricon, 1969) algunos temas, símbolos y secuencias, tales como la del banquete pantagruélico o la escena de lucha en el interior del cráter volcánico. Además, en 1990, tras ver el estreno en Roma de Santa sangre, Fellini vendió a Jodorowsky el guión de Viaje a Tulum, en el que el propio Jodorowsky aparece como personaje, y que narra el viaje de Fellini a México en busca de un chamán. El guión de Viaje a Tulum fue convertido en cómic por el célebre dibujante Milo Manara, colaborador de Jodorowsky.
[editar]Guionista de cómics
Empezó su carrera dentro de los cómics en México con la creación de Aníbal 5 a mediados de 1966 con ilustraciones de Manuel Moro, y tuvo oportunidad de dibujar su propia tira cómica semanalmente, llamada Fábulas pánicas (1967-1973), que apareció en el periódico mexicano El Heraldo de México. Después de su cuarta película, Tusk, comenzó El Incal, en colaboración con Jean Giraud, Moebius. Esta historieta hunde sus raíces en el tarot y sus símbolos; por ejemplo, el protagonista, John Difool, está vinculado a la carta de El loco. El Incal sería el primero de una serie de varios cómics ambientados en el particular universo de ciencia ficción de Jodorowsky.
Jodorowsky siempre ha indicado que, durante cuarenta años, el cómic ha sido su principal medio de vida, su sustento económico, pues ni su cine ni su teatro le han reportado beneficios económicos.
Psicomagia y psicogenealogía
Artículo principal: Psicomagia
Posiblemente su peculiar creación de una forma de psicoterapia es lo más polémico de toda la obra de Jodorowsky. La Psicomagia es una técnica creada y ejercida por Jodorowsky, que pretende servir de sanación espiritual.5 Si bien propone resolver conflictos psicológicos y hasta somáticos, no es una técnica científica ni es reproducible. El mismo Jodorowsky reconoce que no se sitúa “en el terreno científico”.6 De acuerdo con éste, hunde sus raíces en el chamanismo, el tarot, el psicoanálisis y el efecto patético del teatro. "Para mí la psicomagia es como una derivación de la poesía, del teatro... de todo lo que he hecho".7 Jodorowsky fundamenta su metodología en la premisa de que el inconsciente toma los actos simbólicos como si fuesen hechos reales,8 de manera que un acto mágico-simbólico-sagrado podría modificar el comportamiento del inconsciente, y por consiguiente, si estuviese bien aplicado, curar ciertos traumas psicológicos. Estos actos son "diseñados a medida"9 y se prescriben después de que el "psicomago" analice las peculiaridades personales del consultante, e incluso estudie su árbol genealógico. Para esto, Jodorowsky creó la psicogenealogía. Esta parte de la premisa de que determinados traumas y comportamientos inconscientes se transmiten de generación en generación, por lo que, para que un individuo tome consciencia de ellos y pueda desligarse de los mismos, es necesario que estudie y haga actos psicomágicos basados en su árbol genealógico y los patrones que existen en él.
[editar]Afirmaciones polémicas de Jodorowsky sobre psicomagia
Jodorowsky afirmó hace tiempo categóricamente que cualquier persona que se declarase psicomago o propusiera consejos de psicomagia era un mentiroso, y que hasta ese momento sólo él, su hijo Cristóbal Sol y su esposa Mariana Costa podían ejercer la psicomagia.10 Según él, no existía ninguna escuela de psicomagia que hubiera autorizado, y volvía a afirmar que los que anunciaran esta escuela o eran ingenuos o eran astutos comerciantes.
En una entrevista que Jodorowsky hizo a Santiago Segura, éste dijo que lo que más admiraba de él, era que sólo él, su hijo y su esposa podían ser psicomagos, a lo que Jodorowsky le respondió que él también podía ser psicomago si quería.
Desde hace tiempo Jodorowsky dice que la afirmación de que solo él podía ser psicomago ha dejado de ser cierta, pues mucha gente muy educada y capacitada se ha empapado con su pensamiento. Esa advertencia de Jodorowsky iba destinada a evitar que falsos "videntes", "brujas" o "sanadores" se aprovechasen de la gente. Sin embargo, a menudo fue interpretada de una manera más polémica.
Obras
Filmografía
La Cravate (La corbata, 1957, Francia) (cortometraje)11
Fando y Lis (México, 1968)
El Topo (México, 1970)
La montaña sagrada (The Holy Mountain, México-Estados unidos, 1973)
Tusk (Francia-India, 1980)
Santa sangre (Sangue santo, Italia-México, 1989)
El Ladrón del Arcoiris (The Rainbow Thief, Reino Unido, 1990)
The Sons of El Topo (Los hijos del Topo, Francia-Rusia, 2011)
Teatro
La fantasma cosquillosa (farsa iniciática) (1948)
La princesa Araña (asquerosa opereta surrealista para niños mutantes, escrita con Leonora Carrington) (1958)
Melodrama sacramental (1965)
Zaratustra (aventura metafísica) (1970)
El túnel que se come por la cola (auto sacramental pánico) (1970)
El Juego que todos jugamos (1970)
El mirón convertido (tragedia pánica) (1971)
El Ensueño (Paráfrasis de la obra de Augusto Strindberg) (1971)
Pedrolino (mimodrama ballet) (1998)
Ópera pánica (cabaret trágico) (2001)
Escuela de ventrílocuos (comedia absurda) (2002)
Las tres viejas (melodrama grotesco) (2003)
Hipermercado (paporreta infame) (2004)
El sueño sin fin (drama sublime) (2006)
Sangre real (drama antiguo) (2007).
Teatro sin fin (tragedias, comedias y mimodramas) (Ediciones Siruela, Madrid, 2007). Antología teatral que incluye todos los títulos anteriores.
Historietas
Anibal 5 (México, 1966), con el dibujante Manuel Moro
Fábulas pánicas (México, 1967-1973), guión y dibujo
Los ojos del gato (1978), con el dibujante Moebius
La saga de Alendor, con el dibujante Silvio Cadelo
Gilles Hamesh, detective privado de todo, con el dibujante Durandur
Los mellizos mágicos, con el dibujante George Bess
Le tresor de l'ombre, con el dibujante François Boucq
El Incal (Francia, 1980-1988), con el dibujante Moebius
Las aventuras de Alef-Thau (Francia, 1983-1998), primero con el dibujante Arno y luego con Al Covial
John Diffol antes del Incal (1988-1995), con el dibujante Zoran Janjetov
Aníbal Zinq (1990), con el dibujante George Bess
El corazón coronado (1991), con el dibujante Moebius
La casta de los Metabarones (Francia, 1992-2002), con el dibujante Juan Giménez
La pasión de la Diosa-mante (1992), con el dibujante Jean-Claude Gal
Un comic (1992), con el dibujante Enrique Lihn
La catedral invisible (1993), con el dibujante François Boucq
Oda al X (1993), con el dibujante George Bess
Cara de luna (1994-1997), con el dibujante François Boucq
Juan Solo (1995-1999), con el dibujante George Bess
Allior (1995), con el dibujante Víctor de la Fuente
El Lama blanco (Francia, 1998-1993), con el dibujante Georges Bess
Los Tecnopapas (1998-2002), con el dibujante Zoran Janjetov
Megalex12 (1999), con el dibujante Fred Beltrán
Después del Incal (2000), con el dibujante Moebius
Bouncer (2001-2004), con el dibujante François Boucq
Los Borgia (2006), con el dibujante Milo Manara
Los Cuatro de John Difool / Final Incal 1 (2008), con el dibujante Ladrönn
Literatura
Cuentos pánicos (1963), ilustrado por Roland Topor
Teatro pánico (1965)
Juegos pánicos (1965)
El Topo, fábula pánica con imágenes (1970), guión original de la película El Topo
Fábulas pánicas (1977), reimpresiones de tiras publicadas en el periódico Heraldo de México
Las ansias carnívoras de la nada (1991) Novela.
La trampa sagrada: Conversaciones con Gilles Farcet (1991)
Donde mejor canta un pájaro (1994) Novela.
Psicomagia, una terapia pánica (1995)
Garra de Ángel (1996) ilustraciones de Moebius
Antología pánica (1996), recopilación de textos por Daniel González-Dueñas
Los Evangelios para sanar (1997) Ensayo.
La sabiduría de los chistes (1997), ilustraciones de George Bess Ensayo.
El niño del jueves negro (1999) Novela.
Albina y los hombres-perro (2000) Novela.
La trampa sagrada (2000) Libro de entrevistas.
No basta decir (2000) Poesía.
La danza de la realidad (2001) Memorias.
El loro de siete lenguas (2001) Novela.
El paso del ganso (2001) Relatos.
La sabiduría de los cuentos (2001) Ensayo.
Ópera pánica (2001) Obra de teatro.
El tesoro de la sombra (2003) Memorias.
Fábulas pánicas (2003), reimpresiones completas de la tira publicada por el Herlado de México
El dedo y la luna (2004) Ensayo.
Piedras del camino (2004) Poesía.
La vía del tarot (2004) Ensayo.
Yo, el tarot (2004) Ensayo y poesía.
El maestro y las magas (2006) Memorias.
Solo de amor (2006) Poesía.
Teatro sin fin (tragedias, comedias y mimodramas) (2007)
Correo terapéutico (2008) Ensayo.
Manual de Psicomagia (consejos para sanar tu vida) (2009)
Pasos en el vacío (2009) Poesía.
Tres cuentos mágicos (para niños mutantes) (2009) Cuentos.
Poesía sin fin (2009) Poesía completa.
Premios
Premio Jack Smith Lifetime Achievement del Chicago Underground Film Festival (2000)
Premio "La Máquina del Tiempo" concedido por el Festival de Cine de Sitges13 (2006)
Premio "Waldemar Daninsky" por toda una carrera dedicada al cine fantástico y de terror, así como a la literatura y el cómic fantástico14 (2006)
Premio a la "Trayectoria como Cineasta" del Festival Internacional de Cine del Norte de Chile.
El 27 de abril de 2006 recibió la Orden al Mérito Artístico y Cultural Pablo Neruda,15 de manos de Michelle Bachelet
La ruptura
La Generación de la Ruptura
La Ruptura es el nombre dado al conjunto de artistas mexicanos y extranjeros radicados en México, que en la década de los 50 comenzaron a reaccionar contra lo que percibían como los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura, la cual aglutinaba a los muralistas mexicanos (David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco entre otros) cuya temática nacionalista, izquierdista y revolucionaria había sido la corriente artística hegemónica en México desde el estallido de la revolución mexicana en 1910. La generación de la Ruptura incorporaba valores más cosmopolitas, abstractos y apolíticos en su trabajo, buscando entre otras cosas expandir su temática y su estilo más allá de los límites impuestos por el muralismo y sus ramificaciones. Es de hacer notar que el movimiento no fue jamás organizado ni definido, como tal se daba de modo bastante espontáneo, no era deliberado y las relaciones entre sus miembros fueron mas bien informales.
Miembros
Pintores reconocidos en la actualidad perfilaron en este movimiento, entre ellos: Rufino Tamayo, Manuel Felguérez, Lilia Carrillo, Fernando García Ponce, José Luis Cuevas, Pedro Coronel, Günther Gerzo, Arnold Belkin, Carlos Mérida, Roger von Gunten, Vlady, Cordelia Ureta, Gabriel Ramirez, Remedios Varo, Mathias Goeritz, Francisco Zúñiga, Alberto Gironella, Pedro Coronel, Vicente Rojo, Juan Soriano y Francisco Toledo. Todos y cada uno de ellos crearon un estilo particular en sus pinturas y revolucionaron el arte en México. Además encontraron un defensor literario en la figura del escritor y periodista Juan García Ponce.
Rufino Tamayo sobresalió con su arte figurativo de su tierra natal, Oaxaca. Fue el primero en romper la conexión que tenía el movimiento muralista con el arte contemporáneo de México. Sus pinturas eran siempre muy coloridas, con detalles mexicanos muy propios de sus obras. Fue influenciado por Picasso pintando siempre objetos de la vida diaria, como serían las sandías, un parque o una casa.
José Luis Cuevas asistió a la Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda” en la Ciudad de México. Posteriormente estudió en la Institución de Enseñanza Universitaria de la misma ciudad. Durante sus primeros años con la Galería Prisse en el DF, se unió a un grupo de jóvenes pintores entre los que estaban Alberto Gironella, Enrique Echeverría, Pedro Coronel, Manuel Felguérez y Francisco Icaza, todos, posteriormente parte del movimiento de la Ruptura. Aunque sus trabajos incluían el dibujo y el grabado, siempre se destacó mejor como pintor. Desde muy joven expuso en galerías de Los Ángeles o Nueva York. Sus pinturas eran caracterizadas por retratar figuras humanas con características muy grotescas y siempre utilizando una gama de colores muy limitada.
Pedro Coronel nació en Zacatecas y desde 1950 en adelante el se convierte en un reconocido [pintor] en México y en el mundo. Sus pinturas estaban basadas en figuras humanas, paisajes u objetos con una presentación como arte abstracto.
Gunther Gerzo enriqueció el movimiento cultural que en esa época se llevaba a cabo y es por eso que se le reconoce. Fue un magnífico pintor abstracto. Todas sus pinturas podrían ser interpretadas de un millar de formas diferentes ya que todo entraba en la perspectiva del espectador. Sus pinturas eran muy emotivas y con un fin psicológico que despertaban sentimientos en el espectador.
Arnold Belkin también hizo muchas de sus obras en México. Sus obras eran caracterizadas especialmente y sobre todas las cosas por el usos de colores extremadamente chillones en una armonía generalmente abstracta. Era similar al pop art que se daba en los Estados Unidos con figuras como Andy Warhol o Roy Lichtenstein. La diferencia es que Belkin creaba sus propia imagen y los estadounidense tenían esta manera específica de protestar contra el término que la sociedad le había dado al arte haciendo replicas o series de cosas muy triviales como escenas de cómics o latas de sopa Campbell.
Carlos Mérida fue un gran pintor guatemalteco que vivió por un largo período en México. El también utilizó el arte abstracto para romper esquemas pero con un toque diferente a los demás. El también utilizó de inspiración la arquitectura maya con representativas características en sus pinturas. Toda su obra la hizo en México y fue parte de los pintores que utilizaban el abstracto figurativo, que significa que a pesar de que en sus pinturas no estas viendo un ser humano per sé, puedes distinguir trazos o figuras similares a las de un humano real.
Roger von Gunten nació en Suiza y como ya era de costumbre en los artistas revolucionarios de esta época, viajó a un país foráneo a su cultura o al estilo que predominaba en Europa, para poder encontrarse con otro mundo, llamado México. También utilizó el abstracto figurativo en sus pinturas pero siempre con un contraste muy bajo lo cual hacía difícil identificar las figuras en sus obras.
Vlady es el pseudónimo de un pintor ruso, el cual vive en Cuernavaca. Creó una nueva técnica de pintura llamada impasto. Esta técnica consiste en poner grandes plastas de pintura encima de otras para crear un efecto de profundidad. Fue un gran engraver con lo que fuera la característica madre de La Ruptura, el uso del abstracto figurativo.
Cordelia Ureta perteneció al fenómeno artístico encabezado por André Breton en México: el surrealismo. Ella fue una artista mexicana, aunque no tan famosa como lo fue Remedios Varo (otra pintora surrealista). Sus pinturas ricas de una atmósfera abstracta llenas de color, la hacen merecedora a una mención como las impulsadoras de éste movimiento.
Remedios Varo realizó en México su obra más esplendorosa, caracterizada por el usos de elementos abstractos y surrealistas influenciada de la obra de Europa. La clase de pintura que ella creó fue llamada alucinación por sus alocadas características y personajes.
Alberto Gironella fue un innovador de su tiempo. Su obra, 100% mexicana, fue tan propia de él que creó un nuevo estilo llamado ensamblaje. Este estilo constaba en crear una obra con partes de otras. Podrías tener imágenes de “Las Meninas del Rey” de Vasconcelos en una esquina o tener esculturas francesas del siglo XVI en otra y así conformar un cuadro donde la composición es formada por otras composiciones. Fue muy popular en el siglo XX.
Mathias Goeritz nació en Austria y aunque es reconocido como escultor, su inspiración viene de los dibujos y arte de otros artistas plásticos. Proyectos tan famosos como la Ruta de la Amistad para las olimpiadas del año 68 en México, La “Osa Mayor” en el Palacio de los Deportes y las “Torres de Satélite” en México.
Francisco Zúñiga fue un pintor costarricense que vivió en México haciendo un arte figurativo sin nada de realismo, totalmente apegado a la interpretación personal del artista. Su arte era tradicional, lleno de color, clásico. Sus humanos eran generalmente formados por figuras geométricas,
Francisco Toledo fue un pintor mexicano en contínuo ascenso y fama. Sus pinturas son muy grandes y están conformadas por figuras de animales fantásticos y exóticos, envueltos en una atmósfera erótica. Fue un pintor, engraver y dibujante. Es originario de Oaxaca.
Vicente Rojo, nace en Barcelona en 1932. En 1949 llega a México donde estudia pintura y tipografía y realiza durante más de cuarenta años una extensa obra como pintor, escultor, diseñador gráfico y escenógrafo. Ha colaborado además en la fundación de editoriales, suplementos culturales y otras aplicaciones. En 1991 recibió el Premio Nacional de Arte y el Premio México de Diseño.
Estos son los artistas más famosos y con la más perdurable producción del movimiento de la Ruptura en México. Aquí se marca el comienzo de la nueva era del pensamiento artístico, la creación d espacios nacionales para la pintura y el libre pensamiento para retratar cualquier cosa, sin seguir los estándar de academias o de sociedades. México se enaltece al tener a tales personalidades mundiales en su historia artística.
Juan Soriano
Juan Soriano (1920-2006)
fue un artista plástico mexicano, fue llamado "El Mozart de la Pintura" debido a que, desde temprana edad, demostró grandes aptitudes para la creación plástica.Nació el 8 de agosto de 1920 en Guadalajara, Jalisco. Desde niño dio muestras de sus enormes dotes artísticas. Chucho Reyes, Roberto Montenegro y Luis Barragán se cuentan entre sus influencias iniciales.
A la edad de catorce años montó su primera exposición colectiva, mientras participaba en el taller de Francisco Rodríguez. Lola Álvarez Bravo, José Chávez Morado y María Izquierdo, llegaron a la exposición, que había quedado bajo el resguardo de Soriano, entonces, cuando le preguntaron de quién eran unas pinturas ahí expuestas, el joven Juan respondió que de él. En ese momento, aquellos personajes le incitaron a irse a la Ciudad de México, para poder mejorar su técnica, ya que calificaron a su obra como "interesante".
Siendo adolescente, en 1935 se afincó en la Ciudad de México para estudiar artes plásticas, motivado por su talento y el aliciente de la compañía de su hermana Martha. Sus mentores fueron grandes exponentes de la plástica mexicana como Emilio Caero y Santos Balmori. Por invitación de este último, se integró a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR) en la cual permaneció apenas un par de años; sin embargo, a partir de ello se relacionó con conocidos personajes del ámbito cultural, lo cual le permitió ampliar sus horizontes intelectuales y plásticos. Entre estas amistades se cuentan a María Félix ,Octavio Paz, Rufino Tamayo, Guadalupe Marín, Xavier Villaurrutia, Elena Garro, Lola Álvarez Bravo, María Asúnsolo, Leonora Carrington, Carlos Pellicer, María Zambrano, Ignacio Retes, Salvador Novo, Frida Kahlo, Carlos Mérida, y Antonio M. Ruiz, El Corcito, entre otros.
A principios de la década de los cincuentas, viajó a Europa, ahí, conforme fue madurando su obra, amplió su círculo de amistades internacionales, lo que contribuyó a que su estilo plástico se consolidase.
De 1952 a 1956 retornó brevemente al país para retomar sus vínculos con intelectuales mexicanos y colaboró con Octavio Paz, Juan José Arreola, Héctor Mendoza, Juan José Gurrola y Leonora Carrington dentro del grupo "Poesía en Voz Alta".
De 1956 a 1957 se estableció en Roma, Italia, para después, a partir de 1974, cambiar su residencia a París, la cual a la postre visitaría asiduamente, después de volver a afincarse en la ciudad de México. Ahí conoció y trabó amistad con Antonio Saura, Julio Cortázar y Milan Kundera.
Su obra se distingue por haber desarrollado un estilo propio, basado en el lirismo y una búsqueda constante, derivada de la inquieta personalidad del creador. Experimentó con diversos materiales, géneros y estilos; incursionando incluso en el abstraccionismo y la creación de vestuarios y escenografías para teatro.
En el plano anecdótico, se recuerda que, cuando dejaba de tener otra superficie para pintar, lo hacía sobre las puertas de su casa, las cuales después vendía.
Quienes lo conocieron personalmente, destacan su rebeldía, sencillez y espíritu libertario. Otros rasgos de su personalidad, no menos interesantes, lo definían como un hombre irónico, desenfadado e irreverente.
Su sinceridad, excelente sentido del humor y gusto por la vida fueron memorables. No obstante, supo afrontar la muerte, pues para él significaba un premio, quizá el más grande, al no tener más pendientes ni preocupaciones.
Autor, entre otras obras pictóricas, de María Asúnsolo en Rosa y Apolo y las musas. También se interesó por la escultura monumental, entre cuyas obras se recuerdan Pato, Pájaro Dos Caras, y Pájaro Con Semillas.
En el espacio público, se pueden hallar algunas de sus obras descollantes: Paloma (Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México), Ola (World Trade Center de Guadalajara, México), Luna (Auditorio Nacional, Ciudad de México) y Sirena (Plaza Loreto, Ciudad de México).
En reconocimiento a su trayectoria, recibió diversos premios tales como el Premio Nacional de las Artes del gobierno de México en 1987,1 la Medalla de Oro del Palacio de Bellas Artes de México, la Condecoración de la Legión de Honor, en Grado de Oficial de Francia, la Mención Honorífica en el Festival Internacional de Pintura de Cagnes-sur-Mer en Francia, la Orden al Mérito de la República de Polonia y el Premio Velázquez de Artes Plásticas de España. Fue doctor honoris causa por la Universidad de Colima.
Fallece el 10 de febrero de 2006 a los 85 años de edad en Ciudad de México. En las fechas posteriores a su fallecimiento, ha trascendido que el gobierno español reconocerá póstumamente el legado y trayectoria del artista, condecorándolo con la Orden de Isabel la Católica, en grado de Encomienda.
"Lo que digan de mí, o dejen de decir de mí, no alterará mi tumba".
Juan Soriano
Frida
Frida Kahlo
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón fue una célebre pintora mejicana. Según ella, nació el 07/07/1910, aunque se rumorea que su verdadera fecha de nacimiento es el 06/07/1907. Nació en la ciudad de Coyoacán, en México. La niñez de Frida fue muy triste. A los seis anos tuvo la polio, lo cual la dejó con una pierna mucho más corta y delgada que la otra, para el resto de su vida. Esto siempre la acomplejó.
Rebelde por naturaleza, y ávida de sorprender, Frida ya de jovencita se vestía con ropas de hombre en ocasiones, para molestar a sus familiares en las reuniones que mantenían. Mas tarde se cortó el pelo para hacer rabiar a su marido Diego Rivera, acto seguido pinto este autorretrato.
Conocida por sus autorretratos, ella mismo explicó su tendencia a retratarse así: "Me pinto a mi misma porque estoy amenudo sola, y porque soy la persona a la que mejor conozco."
En 1925, regresando de la escuela en autobús, Frida se vió involucrada en un trágico accidente, que casi le cuesta la vida, y que le dejó secuelas que influyeron en ella el resto de su vida. Se partió la columna vertebral, la clavícula, varias costillas, la pelvis, y se fracturó una pierna en once lugares distintos. Estando de reposo absoluto en la cama tras el accidente, y aburrida, empezó a pintar. Este pasatiempo momentáneo terminaría por ser la pasión de su vida. "Yo pinto mi propia realidad, Lo único que sé, es que pinto porque lo necesito, y pinto lo que se me ocurre, sin más consideraciones."
A lo largo de su vida, y debido a las secuelas del accidente, se sometió a unas treinta operaciones; recurriendo al tequila para calmar el dolor. En muchos de sus cuadros quedan reflejados estos años de sufrimiento. Amenudo se retrataba a si misma con un collar de espinas, clavos, o con cortes en el cuerpo, a modo de expresar su dolor. Ella decía: "Mi pintura lleva un mensaje de dolor. Ha completado toda mi vida."
En 1929, Frida contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera. Fue un matrimonio apasionado, y alocado, entre dos personas de characteres extremadamente fuertes. Durante su matrimonio, se sucedieron los amantes por parte de ambos conyugues. Frida y Diego se divorciaron, pero antes de que tanscurriera un año, se volvieron a casar. Frida era tan infiel como su marido, y tuvo como amantes tanto a mujeres como a hombres. Algunos de sus amantes fueron: Georgia O'Keefe, Maria Felix, Leon Trotsky, y Nickolas Muray.
A pesar de las infidelidades, refiriendose a su marido, Frida decía: "Ser la mujer de Diego es la cosa mas maravillosa del mundo. Yo le dejo jugar al matrimonio con otras mujeres. Diego no es el marido de nadie y nunca lo será, pero es un gran compañero". Por otro lado también decía: "He sufrido dos grandes accidentes en mi vida: uno fue en autobús, y el otro Diego. Este tipo de contradicciones son una muestra del tipo de relación turbulenta que tenía la pareja.
Fue idea de Diego el que ella se vistiera con las ropas tradicionales, que junto con sus cejas pobladas, y bigote, llegaron a ser su símbolo.
Aunque ella no estaba de acuerdo, a Frida amenudo se le identifica con la pintura surrealista. Con la ayuda de los pintores: Andre Bretón, y Marcel Duchamps, Frida pudo exponer algunos de sus cuadros en Los Estados Unidos y Europa. En 1943 fue nombrada profesora de pintura en La Esmeralda, La Escuela de Bellas Artes del Ministerio de Educación.
Para saber más de la historia de este cuadro, titulado "El suicidio de Dorothy Hale", hacer click aquí.
En la última, y única exposición que la artista pudo realizar en su país, una vez más Frida escandalizó a la gente. Estando enferma, hizo que la trajeran a la exposición, a la Galería de Arte Contemporáneo,en camilla . La dejaron en medio de la sala,y ella se dedicó a distraer al publico, contando chistes, y bebiendo. A continuación se dirigió a la prensa, y dijo: "Yo no estoy enferma. Estoy rota." La exposición fue todo un éxito.
Frida Kahlo murió el 13/07/1954. Pero el culto a su arte sigue tan vivo, que se ha creado el "Kahloismo". Una especie de religión que considera a Frida una Diosa.
Muralismo
Muralismo
El Muralismo es un movimiento artístico de carácter indigenista, que surge tras la Revolución Mexicana de 1910 de acuerdo con un programa destinado a socializar el arte, y que rechaza la pintura tradicional de caballete, así como cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales.
Propone la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de su historia. El muralismo mexicano fue uno de los fenómenos más decisivos de la plástica contemporánea iberoamericana y sus principales protagonistas fueron Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. A partir de 1930 el movimiento se internacionalizó y se extendió a otros países de América.
"El agitador", Diego Rivera
El impulsor de este movimiento fue José Vasconcelos, filósofo y primer secretario de Educación Pública de México quien, tras la Revolución, pidió a un grupo de artistas jóvenes revolucionarios que plasmaran en los muros de la Escuela Nacional Preparatoria de la ciudad de México la imagen de la voluntad nacional.
Los artistas tenían total libertad para elegir los temas y mostrar un mundo nuevo sobre las ruinas, la enfermedad y la crisis política surgida tras la Revolución. Influidos por el rico pasado precolombino y colonial, los muralistas desarrollaron un arte monumental y público, de inspiración tradicional y popular, que ponía fin al academicismo reinante, exaltando su cultura y origen precortesiano.
En la práctica, el indigenismo tomó varios cauces. Por un lado está la concepción histórica de Diego Rivera: descripción minuciosa de una idílica vida cotidiana antes de la llegada de los españoles. Por otro, la de José Clemente Orozco, que integra las culturas indígenas en el contexto de una religiosidad violenta; su obra épica la realizó con suficiente ironía, amargura y agresividad como para encarnar una imagen verdadera y convincente del mundo moderno, con su despiadada lucha de clases, teniendo como tema obsesionante el del hombre explotado, engañado y envilecido por el hombre. Sólo David Alfaro Siqueiros se interesó por acercar a la pintura moderna los valores plásticos de los objetos prehispánicos.
"Maternidad", José Clemente Orozco
El muralismo se desarrolló e integró fundamentalmente en los edificios públicos y en la arquitectura virreinal. Los muralistas se convirtieron en cronistas de la historia mexicana y del sentimiento nacionalista, desde la antigüedad hasta el momento actual. La figura humana y el color se convierten en los verdaderos protagonistas de la pintura. En cuanto a la técnica, redescubrieron el empleo del fresco y de la encáustica, y utilizaron nuevos materiales y procedimientos que aseguraban larga vida a las obras realizadas en el exterior.
El introductor de nuevas técnicas y materiales fue Siqueiros, que empleó como pigmento pintura de automóviles (piroxilina) y cemento coloreado con pistola de aire; Rivera, Orozco y Juan O’Gorman emplearon también mosaicos en losas precoladas, mientras que Pablo O’Higgins utilizó losetas quemadas a temperaturas muy altas. Las investigaciones técnicas llevaron también al empleo de bastidores de acero revestidos de alambre y metal desplegado, capaces de sostener varias capas de cemento, cal y arena o polvo de mármol, de unos tres centímetros de espesor.
Desde 1922 hasta nuestros días no se han dejado de hacer murales en México, lo que prueba el éxito y la fuerza del movimiento. En la década de 1930, la internacionalización del muralismo se extendió a Argentina, Perú y Brasil, y fue adoptado incluso por Estados Unidos en algunos de sus edificios públicos.
Autores:
Diego Rivera (1886-1957) fue uno de los pintores mexicanos más importantes y un gran artista del siglo XX. Nacido en 1886, en Guanajuato, Rivera estudió estilos artísticos tradicionales europeos en la Academia de San Carlos en el Distrito Federal. Rivera combinó esta formación clásica con la influencia del artista popular José Guadalupe Posada, emergiendo a la edad de dieciséis años como un pintor talentoso con un estilo mexicano bien definido. |
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En 1907, Rivera viajó a España para estudiar las obras de Goya, El Greco y Brueghel en el museo de El Prado de Madrid. Después, se mudó a París y quedó fascinado con el movimiento cubista de vanguardia que había fundado Pablo Picasso. Sin embargo, después de cuatro años dedicado al cubismo, Rivera comenzó a cuestionar este movimiento.
Cuando la represión política se intensificó en México a finales de la década de 1920, a Rivera lo persuadieron venir a pintar en los Estados Unidos. Durante sus primeros dos encargos en San Francisco, en 1930 y 1931, Rivera y su esposa, la artista Frida Kahlo, encontraron una acogida cálida. Rivera, por consiguiente, se sintió muy complacido de regresar a San Francisco en 1940 para crear el mural de la Unidad Panamericana para su exhibición en la Exposición Internacional de Golden Gate. Esta obra representó la culminación de cientos de murales pintados para el público y también demostró su relación cariñosa con San Francisco. | |||||||
1883 - 1949 (Jalisco, México)
Jose Clemente Orozco: Pintor mexicano, nacido en Zapotlán el Grande, Jalisco, en 1883. Aún siendo un niño, conoció a José Guadalupe Posada, el ejemplo de cuyos grabados lo indujo a interesarse por la pintura.
Orozco se traslada Junto con su familia a Guadalajara y luego a la capital de la República, a donde llegó en 1890.Estudia la carrera agrícola y sigue clases de arte con Gerardo Murillo en la Academia de San Carlos entre 1906 y 1914. Trabaja como ilustrador y dibujante satírico durante los años de la Revolución Mexicana y crea pinturas y litografías cuyos temas son sacados de bares y ambientes de prostitución, repitiendo algunos temas de la escuela francesa, aunque de forma muy personal.
Hace su primera exposición individual en la librería Biblos de Ciudad de México en 1916. Al año siguiente viaja por Estados Unidos y vive en San Francisco y Nueva York pintando carteles.
Su estilo heroico esta fundado en un realismo de carácter expresionista, conscientemente ligado a las viejas tradiciones artísticas mexicanas, de violento dinamismo y amplísima factura.
En 1920, de regreso a México, colabora con Diego Rivera y David Alfaro Siqueirosen el programa muralista patrocinado por el gobierno.
Los primeros murales se ejecutan en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México (1923-1926); en el titulado La Trinchera muestra ya su estilo más característico: líneas diagonales, ángulos oblicuos y una paleta reducida a los colores blanco, gris y marrón. Aunque los soldados están dibujados de forma naturalista, con posterioridad, las figuras se vuelven más estilizadas, formuladas como tallas medievales.
En el año 1922 se unió a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores, intentando recuperar el arte de la pintura mural bajo el patrocinio del gobierno.
En 1927 regresa a los Estados Unidos y durante los siguientes cinco años realiza numerosos murales. Su primer viaje a Europa tiene lugar en 1932. Entre 1936 y 1939, pinta murales en Guadalajara, en el Paraninfo de la Universidad, los Hospicios de Cabañas y en el Palacio de Gobierno.
A diferencia de Rivera y Siqueiros, Orozco retrata la condición humana de forma apolítica; se interesa por valores universales y no insiste tanto en valores nacionales, de ahí que sus imágenes más características comuniquen la capacidad del hombre de controlar su destino y su libertad ante los efectos determinantes de la historia, la religión y la tecnología.
Es un pintor, no un ideólogo por tanto, su obra no tiene intención propagandística. En los murales del Paraninfo, la crítica a los errores del marxismo es patente en las figuras famélicas y hambrientas. Añade a su habitual paleta colores verdes, amarillos y rojos que acrecientan la expresividad de estas obras.
En 1946 recibe el Premio Nacional de Arte y Ciencias de México y en 1947 expone en el Palacio de Bellas Artes; muere en Ciudad de México en 1949, siendo enterrado en la Rotonda de los Hombres Ilustres, en la Ciudad de México.
Su obra está presente en la Bienal de Sao Paulo de 1961 y el Museo Nacional de Lima (1964) y el Museo de Arte Moderno de Oxford (1980), le dedican retrospectivas.
1896 - 1974 (Chihuahua, México)
David Alfaro Siqueiros: Tomó parte en el renacimiento de la pintura al fresco efectuada bajo el patrocinio gubernamental de las decoraciones murales en edificios públicos. Entra en el ejército constitucionalista en 1914. En 1919 viaja a Europa y conoce, en París, aDiego Rivera..Pintó entre rejas y exilios, su vida política fue intensa y corrió paralela a su producción pictórica orientada básicamente al muralismo, su vida y su obra reflejan el espíritu de la revolución social y cultural que sacudió al México del siglo XX.Pintor mexicano, nacido en Ciudad Camargo, Chihuahua en 1896. Siqueiros estudia en la Academia de San Carlos de Ciudad de México, en donde participó en la huelga estudiantil de 1911 y en la Escuela al Aire Libre de 1911 a 1913.
En 1921 edita en Barcelona el único número de la revista Vida Americana, que incluye su primer manifiesto en el que defiende un arte público monumental y los valores de la cultura indígena mediante una plástica que sintetice temas universales y formas y materiales modernos.
En 1932 regresa a México y organiza el sindicato de pintores, escultores y grabadores revolucionarios. Tomó parte del Partido Comunista Mexicano, fue el fundador del periódico El Machete y se dedicó al activismo político, representando en sus frescos temas de dinámica revolucionaria para alentar a las clases sociales más desfavorecidas y ese mismo año pinta los murales de la Escuela Nacional Preparatoria; organiza con Rivera y Guerrero el Sindicato Revolucionario de Obreros Técnicos y Plásticos.
Fue el muralista más activo, en cuanto a la política se refiere. Siqueiros fue encarcelado unas siete veces y otras exiliado, a causa de sus creencias Marxista-Stalinistas. En 1962, fue encarcelado por el gobierno mexicano durante ocho años por organizar disturbios estudiantiles de extrema izquierda dos años antes; el artista fue indultado en 1964. Sus pinturas representan una síntesis muy particular de los estilos futurista, expresionista y abstracto, con colores fuertes e intensos.En 1925 realiza los murales en la Universidad de Guadalajara y en 1930 es encarcelado en Taxco por sus actividades en las manifestaciones del primero de mayo.
Su primera exposición individual tiene lugar en el Casino Español de Ciudad de México, en 1932; en ese mismo año se exilia por actividades políticas ilegales; se traslada entonces a los Estados Unidos donde realiza murales en la Chounard School of Art y en el Plaza Art Center de Los Ángeles; en estos últimos perfecciona la técnica del airbrush sobre hormigón.
Entre los elementos que más lo caracterizaron en sus mejores trabajos, están las perspectivas exageradamente dramáticas, las figuras robustas, el uso audaz de color y frecuente surrealismo, ejemplificados en Death to the Invader (Escuela Normal de Chillán, Bolivia) From Porfirio's Dictatorship to Revolution (Museo Nacional de Historia, Ciudad de México) y The March of Humanity (Palacio de Congresos, Ciudad de México.
En 1933 es deportado de los Estados Unidos y viaja a Argentina y Uruguay, de donde es nuevamente deportado, siempre por sus actividades políticas. Se instala en Nueva York y crea el Taller Experimental Siqueiros, en 1936, Define el taller como "un laboratorio de técnicas modernas del arte" y en él explora las posibilidades de las nuevas herramientas, las pinturas industriales, la fotografía y las técnicas del azar; entre sus alumnos se encuentra Pollock.
En el taller se trabaja con el fin de definir un estilo realista de temática política radical para la creación de murales y carteles.
Participó en la Revolución Mexicana y viajó a Europa donde tomó contactos con los movimientos de vanguardia y en Barcelona, en 1921, publicó los "Tres llamamientos de orientación actual a los pintores y escultores de la nueva generación americana" para la creación de un arte heroico y público a partir de los movimientos europeos modernos, fincándose en la tradición precolombina y vernácula. Entre 1937 y 1939 lucha en la Guerra Civil Española contra los fascistas.
De vuelta a México, en 1940, el gobierno lo acusa de participacion en el atentado contra Leon Trotsky, por lo que huye nuevamente de su país y pinta murales en Bolivia (1941) y La Habana (1943). Vuelve a México en 1944 y pinta los murales del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México; expone en este mismo lugar en 1947. Durante los años cincuenta pinta los murales de la Ciudad Universitaria del Museo Nacional de Historia de la Ciudad de México.
En 1960 es nuevamente arestado y pasa cuatro años en prisión, hasta 1964 en que es indultado; pinta en ese mismo año La marcha de la humanidad. En 1966 recibe el premio Nacional de Bellas Artes de su país y, en 1967, la Unión Soviética le concede el Premio Lenin de la Paz.
Ese mismo año se celebra una retrospectiva de su obra en el Museo Universitario de Ciencias y Arte de la Ciudad de México. En 1972 se le dedica una gran retrospectiva en el Museo de Arte Moderno Kobe de Japón. Muere en México en 1974 y es enterrado en la Rotonda de los Hombres Ilustres.
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